Intervista. Il regista racconta «Blade Runner 2049»,
il suo sequel del film di Scott, ovvero come affrontare un mito.
2049 il
mondo è cambiato ancora in peggio. La polizia di Los Angeles mantiene la
squadra speciale di «blade runner» preposti a braccare e neutralizzare i
replicanti clandestini ancora latitanti malgrado la banda di ammutinati di
Rutger Hauer sia stata sterminata da tempo. Nel corso di un’indagine l’agente K
(Ryan Gosling) è sulle tracce di un collega ormai in pensione. Rick Deckard, il
detective marlowiano interpretato da Harrison Ford, verrà infine
rintracciato, eremita e un po’ arrugginito, nel deserto post apocalittico e
radioattivo. Ma forse è invecchiato meglio lui dell’allegoria morale sui
replicanti che in un mondo post Her e post District 9, ha
un retrogusto rétro anni Novanta.
Ai comandi
del sequel del cult c’è Denis Villeneuve che ha raggiunto il successo
internazionale con Sicario e Arrival, e si trova ora a
rispondere alla domanda che tutti gli fanno sulla soggezione che si prova a
mettere mano a un film «mitico». Come risposta si trincera dietro a una
battuta: «Non volevo che qualcun altro lo rovinasse. Amo troppo quel film».
Nel 1982 il primo Blade Runner aveva visualizzato in modo
tangibile e sensoriale una Los Angeles proiettata nel futuro come crogiolo
distopico inzuppato di monsoni e, allo stesso tempo, immersa
nell’idioma noir inconfondibilmente connesso alla storia della città
e del suo cinema. Una rivoluzione nell’immaginario futuribile e urbanistico che
trentacinque anni dopo, il regista québécois si è trovato a
proseguire in un film sommamente «atmosferico» in cui, spiega lo stesso
Villeneuve, «la storia si svolge sì a Los Angeles, ma stavolta anche in
alcune location limitrofe, quindi esiste la possibilità di espandere il
linguaggio visivo creato da Ridley».
A questo
proposito la lente di Roger Deakins omaggia filologicamente la cinematography
di Jordan Cronenweth nell’originale, anche se alla distopia urbana
si affianca quella inevitabile di una California post disastro climatico. Ryan
Gosling è il protagonista ma è ancora Deckard il cuore emozionale della storia
che potrebbe o meno (e per capirlo saranno probabilmente necessarie
ripetute visioni del film di 2 ore e 40) risolvere una diatriba
fondamentale: se il personaggio di Ford sia o meno egli stesso un replicante.
È una
questione,come ricorda Villeneuve, che divide ancora Ridley Scott e Harrison
Ford – («androidista» il primo, rigorosamente «umanista» il secondo). Il
regista preferisce nicchiare: «Nel testo originale di Philip K. Dick, la
paranoia e il dubbio sono fondamentali, e credo sia questa la chiave giusta.
Quella che mi interessa non è la risposta ma la domanda». Gli fa eco Harrison
Ford: «Non si tratta di un pacchetto che chiudi con un bel fiocco. Il nostro
film è un indagine emozionale, un viaggio. Ci sono dei contorni solidi ma non
sempre. Molti passaggi sono accennati seppure drammaticamente, rimangono ai
margini e in questo modo confermano la ricchezza del tessuto. Non tutto è al
centro della narrazione. Però anche quando certi aspetti non vengono sviscerati
direttamente, contribuiscono comunque all’esperienza visiva ed emotiva di
questo futuro immaginato».
Ma al centro
rimangono pur sempre loro, i replicanti, no?
In questo mondo i replicanti sono oggetti prodotti dalla bio ingegneria, sono
identici agli umani ma con emozioni «sfasate»; non hanno l’esperienza necessaria
a una maturità emotive. Sono comunque una nostra immagine speculare. È
quello che mi è sempre piaciuto della sceneggiatura, la stratificazione dei
significati. E uno degli strati riguarda proprio la segregazione dei diversi ,
le caste, la schiavitù e il concetto di cittadinanza. Poi penso che anche il
primo film fosse un poema sulla rabbia verso dio, colui che ci ha creati senza
dirci perché. Un po’ come nella storia di Frankenstein che inevitabilmente
prosegue in questo film.
Una bella
responsabilità comunque…
Quando ho
saputo che volevano fare una sequel di Blade Runner mi è sembrata al
contempo la più fantastica, emozionante e allo stesso tempo forse la
peggiore idea che avessi mai sentito. Perché si tratta di un universo che ho
amato profondamente. Appena ho avuto in mano la sceneggiatura, oltre al
timore, mi sono sentito onorato che lo studio avesse avuto fiducia in me
affidandomi questa regia. Non ho accettato subito anche perché c’erano dei
problemi di calendario, stavo per iniziare le riprese di Arrival. E
poi volevo sincerarmi che avrei potuto fare mio quel mondo. Può essere uno
strano processo calarsi in un universo creato da qualcun altro. Non volevo
trovarmi a fare il graffitaro in una chiesa altrui, per così dire, non
volevo essere un parassita, dovevo trovare in qualche modo la chiave per
appropriarmene. Solo allora mi sono sentito a mio agio. Non è stata una
decisione presa alla leggera. Ridley si è mostrato molti generoso nei miei
confronti. Abbiamo iniziato con una lunga e cordiale e franca conversazione in
cui mi ha parlato dei suoi riferimenti per il primo film, le ispirazioni e un
po’ il dna di quel lavoro. Poi mi ha detto: «Questo film invece è tuo. È
interamente sotto la tua responsabilità. Se hai bisogno chiamami ma altrimenti
non ti sarò di intralcio. E di questo gli sarò sempre grato. Non sarei
riuscito a lavorare se avessi sentito Ridley dietro le spalle. È un maestro ma
abbiamo sensibilità anche molto diverse.
Ha cercato
di rimanere fedele all’originale?
Sì, Blade Runner 2049 tiene decisamente fede allo spirito del primo Blade
Runner e alla sua estetica «noir». È ancora un poliziesco, un giallo
esistenziale, una storia di detective immerse in quell’inconfondibile
atmosfera fatta di luce impressionista: abbiamo voluto rispettarli perché
l’abbiamo talmente amati. Il mio film in fondo è un estensione
dell’originale e in parte una nuova esplorazione di quel mondo. Gli effetti
speciali del primo film, firmati da Douglas Trumbull, rimangono fra i
migliori della storia del cinema. Io e la troupe eravamo dei grandi fan, e
girare Blade Runner 2049 è stato per noi come scrivere una lettera d’amore al
«prototipo».
Cosa ha
significato per lei il film di Scott? Quando lo ha visto?
È stato un film cruciale, inestricabile dalla mia passione per il cinema. L’ho
visto da giovane, da adolescente, a tredici-quattordici anni, quando cominciavo
a sognare di fare il regista. All’epoca eravamo affamati di buona
fantascienza. Quando è uscito Blade Runner poneva dei quesiti
inediti sull’umanità e segnava un nuovo modo di intendere la sci-fi. Non si era
mai vista allora un’operazione come quella di Ridley Scott che mescolava il
genere noir con la fantascienza. Per noi fu una rivelazione. Io e i miei
compagni diventammo fanatici di Blade Runner, per la prima
volta ci sembrava che qualcuno avesse creato un futuro plausibile, un mondo in
cui si stratificavano in modo coerente passato presente e futuro. Un
futuro in cui il passato era ancora vivo, rappresentato da quelle pubblicità di
marchi che conoscevamo; era un estetica inconfondibile e prorompente.
È tornato
a leggere il romanzo originale di Dick?
Sì. Ridley
si è allontanato da quel testo ma per me il libro è rimasto una guida per
orientarmi in quel mondo futuro. Mi ha aiutato, ad esempio, con le questioni
legate al personaggio di Deckard. Nell’originale secondo Harrison, Deckard è
umano ma secondo Ridley è sicuramente un replicante come si evince dal
suo ultimo final cut. Quindi abbiamo dovuto decidere in che modo affrontare la
questione, Harrison e Ridley sono ancora lì che ne discutono. Così per
risolverla sono dovuto tornare alla fonte, a Philip K. Dick, ai dubbi che
i suoi personaggi, perfino i detective, hanno sulla propria identità – a volte
non sanno loro stessi se sono androidi o umani. Questa sottile ambiguità
è diventata la chiave del film. Personalmente preferisco quando nel cinema il
mistero e i dubbi sovrastano le certezze e le risposte.
*
da il manifesto 1 ottobre 2017
